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A plea for embodied art education:
Nine good reasons why performance art should be included in art teacher training and pedagogical practice

You hear all sorts of things about performance art. However, it is not a freak show; it is an independent and well-established art form within contemporary artistic practice.

Admittedly, it is not easy to define performance or the effects it can have. However, this difficulty does not lie with performance itself; rather, it lies in the nature of art, which becomes elusive whenever it touches upon the unspeakable. Art often emerges precisely where words fall short, when perception, memory, friction or wonder demand expression. In this regard, performance art is no different to painting, sculpture, installation or poetry. The only difference is that it expresses itself through bodily actions in a given moment in time.

All the elements that define other artistic practices, such as concept, composition, form and colour, can also be found in performance art. It is neither a technical subject nor a specialised discipline for the initiated. Rather, it is shaped by thinking in action: a physical reflection on the world and how we perceive it, on time and presence. These aspects are of great relevance in our current times.

Anyone who has experienced performance, whether as a performer or viewer, knows that nothing remains without consequence. Performance leaves deep traces on our perception and experience systems; it can produce moments of pure joy and powerful image-space events, as well as lasting changes to how we engage with the world.

So why should students – training to become teachers – engage with performance art, both theoretically and practically?

Nine good reasons:

1. Learning with the whole body
Performance requires no prior knowledge, only a willingness to experience. It activates the body and its present, experimental action, enabling a form of learning that engages all senses.

2. Courage for uncertainty
In performative action, there is no right or wrong, only exploration, discovery, failure, resilience and perseverance. This openness encourages risk-taking, which is an essential skill for creative and pedagogical practice.

3. Thinking in processes rather than products
Performance prioritizes the process over the outcome. This approach supports process-oriented thinking and practice, which is perfectly aligned with contemporary educational ideals. The focus is on the step-by-step, open development of a creative process rather than on a fixed, norm-based product.

4. Interdisciplinary work becomes natural.
Performance art brings together diverse forms of expression, whether sound, movement, drawing or object. It fosters cross-media practice, a valuable skill for school life, where openness and flexibility are increasingly important.

5. Refining self- and other awareness
Performative practice involves getting to know oneself and others through artistic activity. It teaches us to explore ourselves more deeply and become aware of how others respond to our performances. This interplay sharpens empathy, attentiveness and critical self-reflection.

6. Practicing presence
Teachers stand in front of a class every day, communicating through their voice, posture and body language. Those who work performatively develop these skills in a playful way, strengthening their future pedagogical presence.

7. An expanded understanding of art
Art is no longer viewed solely as an object or finished piece, but as an action, a process and a form of social interaction. This openness invites everyone to participate in art, as artistic thinking and action can occur in all areas of life.

8. Society is negotiated
Performance is often political, reflecting images of the body, gender, power structures and social conditions. Practicing performance art teaches us how it can open up discourse and enable political education.

9. Artistic attitude as a pedagogical principle
Performance demands attitude: What do I want to show? Why do I act this way and not another? This artistic self-inquiry strengthens the teacher as a thinking, researching and creative individual, which directly shapes their understanding of teaching.

Performance is not an additional subject or a pleasant diversion. It is a powerful means of developing one’s artistic and pedagogical stance. Its fleeting nature gives it a deep sustainability, as anyone who has experienced the power of performative action on themselves and others will want to reconsider how art is shared and taught.

Ein Plädoyer für verkörperte Kunstvermittlung – neun gute Gründe warum Performance Kunst in die kunstpädagogische Ausbildung und in die spätere Praxis gehört

von BBB Johannes Deimling

Über Performance Kunst hört man die wildesten Dinge. Aber Performance ist keine Freakshow, sondern eine eigenständige, etablierte Kunstform innerhalb der zeitgenössischen Kunstpraxis.

Zugegeben – es ist wahrlich nicht leicht, das, was Performance ausmacht und was sie auslösen kann, in Worte zu fassen. Doch liegt das nicht an der Performance selbst, sondern daran, dass Kunst generell schwer zu greifen ist, sobald sie beginnt, das Unsagbare zu berühren. Denn Kunst entsteht oft genau dann, wenn Worte nicht mehr ausreichen – wo Wahrnehmung, Erinnerung, Reibung oder Staunen nach Ausdruck verlangen. Performance Kunst funktioniert dabei nicht anders als Malerei, Skulptur, Installation oder Poesie. Nur dass sie sich im zeitlichen Augenblick durch den Körper und seine Handlungen artikuliert.

Alles, was andere künstlerische Gestaltungen ausmacht – Konzept, Komposition, Form, Farbe – ist genauso auch in der Performance zu finden. Sie ist weder ein technisches Fach noch eine Spezialdisziplin für Eingeweihte. Vielmehr wird sie durch ein Denken in Handlung als physische Reflexion über Welt und ihre Wahrnehmung, über Zeit und Präsenz geprägt. Und gerade diese Aspekte haben in unserer heutigen Zeit eine große Relevanz.

Wer eine Performance erlebt hat – sei es als Handelnde oder als Zuschauer – weiß: Nichts bleibt folgenlos. Performance Erlebnisse prägen sich tief in unser Wahrnehmungs- und Erfahrungssystem ein, sie können zu absoluten Glücksmomenten, zu beeindruckenden Bild-Raumereignissen und sogar zu nachhaltigen Orientierungshilfen werden.

Warum also sollten Lehramtsstudierende sich mit Performance Kunst auseinandersetzen – nicht nur theoretisch, sondern auch in der eigenen Praxis?

Neun gute Gründe:

1. Lernen mit dem ganzen Körper
Performance verlangt keine Vorkenntnisse, sondern Bereitschaft zur Erfahrung. Sie aktiviert den Körper und dessen präsentisches, experimentelles Handeln und garantiert damit ein Lernen mit allen Sinnen.

2. Mut zur Ungewissheit
Im performativen Handeln gibt es kein Richtig oder Falsch, sondern ein Suchen, Herausfinden, Scheitern und wieder aufstehen und weitermachen. Diese Offenheit fördert Risikobereitschaft als essenzielle Fähigkeit für kreatives und pädagogisches Handeln.

3. Denken in Prozessen statt in Produkten
Performance stellt das Tun über das Ergebnis. Das fördert ein prozessorientiertes Denken und Handeln, das sich hervorragend mit zeitgemäßen Bildungsidealen deckt. Prioritär ist die stufenweise und offene Entwicklung des kreativen Prozesses statt der Fokussierung auf ein normfixiertes Produkt.

4. Interdisziplinäres Arbeiten wird selbstverständlich
Ob Klang, Bewegung, Zeichnung oder Objekt: Performance Kunst verbindet unterschiedliche Ausdrucksformen. Sie schult in medienübergreifender Praxis – eine Stärke für den Schulalltag, der immer mehr Offenheit und Flexibilität fordert.

5. Selbst- und Fremdwahrnehmung verfeinern
In der performativen Praxis geht es darum, sich selbst und Andere im künstlerischen Tun besser kennenzulernen. Sie lehrt, sich selbst differenzierter zu ergründen sowie wahrzunehmen, wie Andere auf unsere performativen Angebote reagieren. Dieses Wechselspiel schult nicht nur Empathie und Aufmerksamkeit, sondern auch kritische Selbstreflexion.

6. Präsenz üben
Lehrkräfte stehen täglich im Klassenraum und wirken durch Stimme, Haltung, Körpersprache. Wer performativ arbeitet, trainiert diese Fähigkeiten geradezu spielerisch und stärkt damit auch das eigene zukünftige pädagogische Auftreten.

7. Ein erweiterter Kunstbegriff
Kunst wird nicht mehr nur als Objekt oder abgeschlossenes Werk betrachtet, sondern als Handlung, Prozess, soziale Interaktion. Diese Offenheit lädt alle ein, Teil von Kunst zu werden, denn künstlerisches Denken und Handeln kann in jedem Bereich des Lebens stattfinden.

8. Gesellschaft wird verhandelt
Performance ist oft politisch – sie reflektiert Körperbilder, Gender- und Machtverhältnisse, gesellschaftliche Strukturen. Wer sie praktiziert, lernt, wie Kunst Diskurse eröffnen und politische Bildung ermöglichen kann.

9. Künstlerische Haltung als pädagogisches Prinzip
Performance verlangt Haltung: Was will ich zeigen? Warum handle ich so und nicht anders? Diese künstlerische Selbstbefragung stärkt die Lehrperson als denkende, forschende und kreativ handelnde Persönlichkeit, was sich unmittelbar auf das Lehrverständnis überträgt.

Performance ist kein Zusatzfach und kein netter Exkurs. Sie ist ein kraftvolles Mittel, um die eigene künstlerische und pädagogische Haltung zu entwickeln. In ihrer Flüchtigkeit liegt eine tiefe Nachhaltigkeit – denn wer einmal erlebt hat, was performatives Handeln bei sich selbst und bei anderen auslösen kann, wird Kunstvermittlung anders denken wollen.